Мои рецензии

09 января 2019, 00:28 «От там-тама до органа» Сергей Уваров В Малом зале Московской консерватории прошел необычный концерт. Точнее, для МГК это уже традиция — детские абонементы Дениса Писаревского там идут уже давно, но для зрителей, непривычных к экспериментам с форматом концертов, это могло быть в новинку. Звучание живой музыки (причем, очень оригинально отобранной) здесь сочеталось с просветительским конферансом автора проекта, викториной для детей и даже демонстрацией мультфильма.
Программа была выстроена вокруг знакомства с инструментами. Героями дня стали орган, клавесин, фортепиано и там-там. На первых двух играл сам Писаревский, на фортепиано — Елизавета Данилина, а на там-таме — Павел Бессонов. Исполнив органное произведение Перселла Voluntary, Писаревский не только рассказал и о композиторе, и о самом сочинении в доступной для широкой публики (в том числе детской) форме, но и показал мультфильм, наглядно показывающий строение органа. Кстати, несмотря на то, что в Voluntary не задействуется педальная клавиатура, там очень эффектно демонстрируется многообразие тембров органа.
В свою очередь, в клавесинной сюите Рамо можно было оценить жанровое разнообразие этого инструмента, «потенциал» которого многие недооценивают, а в «Острове радости» Дебюсси зрители могли насладиться фортепианными красками. Но фаворитом юных зрителей (сужу по собственному сыну) стал финальный номер — композиция Татьяны Чудовой для там-тама соло. Исполнитель орудовал десятком палочек, извлекая из простого, казалось бы, инструмента целый спектр звуков и сопровождая это элементами актерского перформанса (обычно это называют инструментальным театром).
А после небольшой викторины, где зрителям было предложено угадать инструменты по их звучанию, на сцену вышел камерный оркестр Leggiero (художественный руководитель и главный дирижер – Джереми Уолкер), исполнивший произведения Дебюсси и Холста. Таким образом, вся программа детского концерта была сосредоточена на музыке старинной и пост-романтической. Причем, «хитов» там не было (а интересно — даже детям — было). И аплодисменты между частями произведений наглядно свидетельствовали о том, что Денису Писаревскому и его коллегам удалось привлечь в консерваторию совсем не-консерваторскую публику. Так что просветительская миссия была выполнена сполна.
03 февраля 2018, 23:55 Мультимедийный проект "Биомеханика 3.0" Сергей Уваров «Каждый год мы с друзьями ходим...» — эта классическая фраза из советского фильма теперь уже вполне применима к авторскому проекту Александра Хубеева и Николая Попова. Каждый год в Рахманиновском зале два молодых (по возрасту, но отнюдь не по опыту – вполне взрослому) композитора, выпускника консерввтории, устраивают мультимедийное представление «Биомеханика». Номер, отсылающий к версии компьютерных программ — 2.0, 3.0 — намекает на инновационную составляющую: мало того, что сама музыка — радикальный авангард, так еще и взаимодействие с видеорядом и светом — во многом новаторское. Это можно было бы сравнить со стадионными шоу поп-звезд, изобилующими спецэффектами, но Попов и Хубеев идут дальше и не просто сопровождают музыку визуальными «примочками», но создают синтез.
Недаром одно из главных произведений программы называлось Luce — как партия света в скрябиновском «Прометее». И здесь сами музыканты управляли светом, а их тени создавали визуальный контрапункт музыке.
Еще одной безусловной вершиной (что, кстати, подтвердил и шквал аплодисментов) стало сочинение Николая Попова KCI_23/11 для виолончели соло (блестящее исполнение Юлии Мигуновой) с электроникой и видеорядом. В основе — вполне традиционный минорный квартсекстаккрод, но рождающиеся из него интонации «взрываются» искрами электроники, переплавляясь в действительно авангардное звучание. Вдобавок к этому, стоит отметить очень эффектный видеоряд, где съемка виолончели преображается с помощью зеркальных эффектов и наложений цифрового шума.
«Биомеханика 3.0» — очередное подтверждение того, что Хубеев и Попов не только выработали яркий стиль (у каждого — свой, но вполне органично сочетающийся в одной программе со стилем товарища), но и нашли подход к публике. Хотя билеты были платными, зал был заполнен, и даже в антракте практически никто не ушел. Для концерта авангардной музыки — редкость. Для Попова и Хубеева — уже норма.
03 февраля 2017, 16:12 Мультимедийный проект "Биомеханика 2.0" Сергей Уваров Скрежещущая и булькающая электроника сливается с «живыми» звуками струнных, баяна и ударных. Цветные световые всполохи выхватывают из темноты звукорежиссерский пульт, ноутбуки и микрофоны, а также недавно отреставрированные интерьеры Рахманиновского зала Московской консерватории. Мультимедийный проект «Биомеханика 2.0» Александра Хубеева и Николая Попова — нетипичный гость в этих стенах, но уже не чужой.
Два года назад первая «Биомеханика» вызвала настоящий ажиотаж: зрители сидели не только на креслах, но и на подоконниках. Правда, вход тогда был свободным. Теперь же организаторы решили установить небольшую плату. Публику это не отпугнуло: к началу первого отделения все места были заняты. Мероприятие заинтересовало и консерваторскую молодежь, и людей, далеких от классики. Первые пришли на Попова и Хубеева, ведущих российских авангардистов из поколения «миллениалов». Вторые — на светомузыкальное шоу. В исполнении каждой пьесы участвовал новый состав: от различных ансамблевых комбинаций (в мероприятии приняли участие коллективы «Студия новой музыки» и Ансамбль ударных инструментов Марка Пекарского) до солистов.
Сочетание живых и синтезированных звуков, их перерастание друг в друга — пожалуй, самое интересное в работах обоих авторов. У Хубеева звук графичный и шершавый, у Попова — более певучий и изысканный. Но принцип работы общий: композиторы создают аудиоландшафты, в которых старые знакомые вроде скрипки, флейты или баяна предстают в совершенно неожиданном амплуа, а шумы и всевозможные компьютерные всхлипы, всплески и взрывы становятся полноправной составляющей пусть и непривычной, но все же мелодики.
Несмотря на модную мультимедийную «обертку», эта музыка всё же непроста для восприятия: после антракта ряды зрителей изрядно поредели. И зря, потому что самое интересное было именно во втором отделении.
В произведении «Остров Возрождения: песня мертвого города» Александр Хубеев создал звуковой образ покинутого поселения, предложив музыкантам играть на «мусорных» конструкциях. Пустые бутылки и ведра, привязанные стальными лесками к столам и полу, под ударами смычков исторгали глухие пугающие звуки. Хубеев зашел на территорию перформанса: само действо оказалось не менее впечатляющим, чем его музыкальная составляющая.
А в завершение концерта прозвучал «Зов полярной звезды» Николая Попова. Звуковое изображение галлюцинаций, преследующих северных жителей, откликалось в световых вспышках на стенах зала и молниях, прорезавших экран для видеопроекций. Кульминация сочинения стала одновременно и эмоциональным пиком всего вечера. Мощные аккорды ансамбля превратились почти что в дабстеп, даром что действие разворачивалось в стенах консерватории. А визуальная составляющая напоминала не столько об академическом образце светомузыки — «Прометее» Александра Скрябина, сколько о современных клубных шоу. Что-что, а дух времени молодые композиторы чувствуют прекрасно.
(рецензия опубликована в "Известиях" от 03.02.2017)
04 августа 2016, 13:34 "Дополненная реальность" в работе педагога-музыканта Сергей Уваров Тема статьи находится на пересечении двух сфер — сольфеджийной педагогики и высоких технологий (IT). Надо заметить, что если междисциплинарность на гуманитарном поле (музыка/живопись, музыка/кинематограф, музыка/литература и т.п.) уже стала достаточно привычным явлением в научных исследованиях, то серьезные работы на стыке гуманитарного и технического знания — до сих пор редкость. Однако, технологии — это уже давно не только то, чем занимаются в НИИ и во всяких компьютерных компаниях, но и важная составляющая любого дела, абсолютно в любых сферах. Именно поэтому, на мой взгляд, статья М. Карасевой очень нужная, своевременная (можно даже сказать, о наболевшем) и, самое главное, написанная на очень высоком уровне по части анализа различных аппаратных и программных решений для обеспечения классных занятий. Статья, с одной стороны, очень практическая, конкретная, а с другой стороны, из практических советов, приведенных в ней, вытекают размышления о психологии восприятия учеников, тонкие наблюдения о взаимодействии между учениками и педагогами… Очень важно, что такая статья вышла в «Научном вестнике Московской консерватории», поскольку все эти вопросы — как выводить ноты для совместной работы студентов, как взаимодействовать с аппаратурой в классе и чем ее стоит дополнить — давно пора озвучить, причем именно в таком «академическом» формате — легитимизировать тему, которая кому-то может показаться приземленной.
09 октября 2015, 02:16 Концерт-презентация музыкального альбома "Песни без слов" Сергей Уваров 3 октября в камерном зале ММДМ состоялся сольный концерт композитора Мурата Кабардокова. Это уже не первый "сольник" Мурата в Москве - по крайней мере, я был еще на одном. Но тот концерт был существенно скромнее в плане помещения и количества публики. Здесь же Мурат не просто смог собрать камерный зал ММДМ, что для молодого композитора - несомненное достижение, но и убедил своим искусством устроить публику в конце стоячую овацию. Причем, за весь концерт я ни разу не видел, чтобы кто-то уходил. Это о многом говорит. Мурат умеет создавать музыку, которая нравится. Умеет нравиться публике сам (при несомненной скромности). И это в полной мере проявилось на субботнем концерте.
Поводом для концерта стал выход диска Мурата "Песни без слов". Точнее, диск вышел еще летом, но в Москве материал из этого альбома Мурат еще не играл, насколько мне известно. И вот, вместе с Клевер Квартетом Мурат (в качестве пианиста) сыграл произведения с диска и еще ряд сочинений для того же состава (фортепианного квинтета) - в том числе прекрасную обработку народной черкесской песни, которая стала, на мой взгляд, одной из жемчужин вечера.
Сам композитор говорит о программе "Песни без слов" как о более доступной и ориентированной на массовую публику, нежели его предыдущие академические произведения. Не без оснований - весь материал тональный, мелодичный, вполне можно его представить в качестве саундтрека к какому-нибудь фильму - и вовсе не обязательно к авангардному (напомню, что Мурат написал музыку к "Франкофонии" Сокурова). Тем не менее, на столь опасной для академического композитора территории Мурат умудряется не только не скатываться в дурновкусие, но и находить оригинальные краски и проявлять свою индивидуальность. Эта индивидуальность зиждется на его национальных корнях (Мурат - Народный Артист Кабардино-Балкарской республики). И речь даже не об использовании цитат (хотя, допускаю, что и они есть), но об интонациях, каких-то гармонических оборотах, которые сразу привносят (в очень умеренной дозе) национальный колорит и обостряют восприятие, как бы подстегивают слух слушателя (неизбежно расслабляющегося на тональной мелодичной музыке, на первый взгляд легко читаемой). При этом - прекрасная работа с фактурой, интересные тембровые находки (что в таком классическом составе сделать особенно непросто).
Отмечу также высокий уровень Кабардокова как пианиста. Это совсем не "композиторский пианизм" (в духе "зато сам"), а действительно филигранная, мастерская работа, хотя фортепианная партия там весьма непростая. Квартет, на мой взгляд, был чуть менее убедителен - мелкие огрехи были заметны. Впрочем, это уже придирки. Так что поздравляю Мурата с отличным выступлением и желаю ему скорейшего возвращения в столицу с новым сольником!
03 февраля 2015, 09:31 Мультимедийный проект Сергей Уваров Есть в истории музыки такие композиторы, имена которых зачастую произносятся на одном дыхании с именем их современника: Бах и Гендель, Дебюсси и Равель, Булез и Штокхаузен... Понятно, что стилистически каждый из этих гениев очень сильно отличается от "напарника", но вот так сложилось. Наших молодых композиторов Николая Попова и Александра Хубеева тоже часто называют на одном дыхании - "Попов и Хубеев". Но тут уж дело не только случая и каких-то исторических закономерностей (войдут ли их имена в историю - покажет время, хотя мне кажется, что войдут). Они сами тому способствуют - мало того, что друзья и однокурсники, так еще и в творчестве их пути если не схожи, то, по крайней мере, имеют немало пересечений. Что, разумеется, не отменяет индивидуальность стиля каждого из них. "Дуэтный" концерт "Биомеханика", на котором произведения Попова и Хубеева чередовались, как раз и позволял наглядно увидеть сходства и одновременно различия их творческого облика.
Оба автора работают с электроникой; оба автора предпочитают сонорную, зачастую - шумовую звуковую ткань традиционной мелодике и гармонии; наконец, оба работают с современными видеохудожниками - отсюда и подзаголовок концерта: "Мультимедийный проект". Большинство прозвучавших произведений сопровождалось видеоартом. На этом сходства заканчиваются. Если же говорить о различиях, то музыка Хубеева на слух воспринимается как более сухая и аналитичная, Попов, наоборот, более эмоционален и "мелодичен" (если здесь уместно это слово - разумеется, имеется в виду не традиционная мелодия, а некая "над-мелодическая" сущность музыкальных фраз).
Из услышанных произведений отмечу "Шепот феникса" для альта соло Хубеева и ARTRA Попова с видеорядом Тодора Пожарева. "Шепот феникса" - виртуозная и очень эффектная (хотя по-хубеевски суховатая) вещь, корнями уходящая в Anthemes 2 Булеза (с обоих случаях солирующий струнный инструмент "говорит" совсем непривычным голосом благодаря электронике). ARTRA - впечатляющая композиция для ударных и электроники, пожалуй, одно из лучших произведений Попова (после "Песни Ульдры" - Коля, ты знаешь, как я ее люблю:)). Правда, видеоряд здесь уступал музыке и, как мне показалось, выглядел эстетически чуждо: "мультяшная" черно-белая нарочито плоская картинка плохо вяжется с очень "объемной" музыкой ARTRA. А вот "Стереофобия" Хубеева, наоборот, показалась очень удачной именно с точки зрения сочетания с видеорядом, который и сам по себе прекрасен.
И последнее, но, пожалуй, наиболее показательное. Все как-то привыкли, что концерты современной музыки, тем более молодых композиторов, интересны лишь узкой кучке ценителей, которые даже Рахманиновский зал не могут заполнить. Те, кто вчера пришел на "Биомеханику", смогли убедиться в том, что с подобными стереотипами надо прощаться, а заодно и стараться в следующий раз приходить хотя бы за полчасика до начала, потому что народу было столько, что не только сесть было негде, но и встать оказалось проблематично: люди стояли в проходах, вдоль стен, сидели на окнах. Настоящий аншлаг! В гардеробе РЗК даже закончились места (из-за чего многим пришлось стоять, держа в руках верхнюю одежду - и ничего, стояли, не ушли!). А это значит, как минимум, две вещи: во-первых, даже самая радикальная авангардная музыка сегодня имеет своего благодарного слушателя, и это вовсе не десяток маргиналов; во-вторых, те ребята, которые для нас, их однокурсников и друзей, были Колей и Сашей (да и остаются), сегодня уже состоявшиеся композиторы, чьи имена - Александр Хубеев и Николай Попов - могут собирать полные залы и создавать по-настоящему талантливые, мастерски сделанные произведения. Ну и третье: Московская консерватория, в стенах которой звучала вчера авангардная музыка Попова и Хубеева, демонстрировались видеопроекции современных художников, с полным правом может считаться не оплотом академизма (как утверждали недоброжелатели еще с момента ее основания и периодически утверждают вновь), а, наоборот, передовым учебно-концертным заведением, где вызревают и реализуются самые прогрессивные музыкальные тенденции, определяющие лицо музыки будущего.
12 декабря 2014, 03:27 Менестрели. Книга о музыке средневековой Европы Сергей Уваров Фантастический подарок сделал всем музыкантам и людям, интересующимся культурой и историей, Михаил Александрович Сапонов. Монография "Менестрели" теперь доступна целиком и абсолютно бесплатно - на Splayn. Писать рецензию на эту книгу, на самом деле, довольно странно, поскольку все специалисты ее прекрасно знают, и высочайшую оценку профессионального сообщества она уже давно получила. Поэтому мой текст - даже не рецензия, а, скорее, "заметки на полях" и советы тем, кто по какой-то причине еще с этим трудом не знаком. Ну и выражение личного отношения к этому труду. Это отношение усиливается тем, что некоторые ключевые идеи и факты из "Менестрелей" я слышал в исполнении автора "вживую" - на первом курсе консерватории. С тех пор прошло восемь лет, но впечатления по-прежнему яркие.
Прежде всего, лично для меня "Менестрели" - образец того, как надо писать об истории музыки, да и вообще о любом историко-культурологическом вопросе. Это сочный, красочный, увлекательный рассказ, при этом невероятно насыщенный самыми разными подробностями - от общеисторических до узкоспециальных-музыкальных и лингвистических. А еще - язык. У людей, которые много пишут, бывают такие моменты, когда чувствуешь некое лексическое истощение, "словесную усталость". Это норма, если такая "усталость" - кратковременная. И побороть ее можно довольно быстро - достаточно немного почитать какую-то образцовую с точки зрения языка книгу. У меня такую роль играют "Менестрели" и том Набокова.
Второй момент. "Менестрели" абсолютно переворачивают представления, сложившиеся "благодаря" навязываемым еще со школы и затем в масс-культуре стереотипам о "темном Средневековье". Мол, пылали костры инквизиции, все талантливое подавлялось, а музыкальная жизнь ограничивалась тем, что скучные фанатики-монахи в темных рясах бубнили григорианские хоралы. Книга "Менестрели" не просто изящно опровергает это, но создает перед нами совершенно новый мир - бесконечно разнообразный и богатый в плане культурных проявлений. Кстати, в этом мире можно увидеть некоторые параллели с современной музыкальной средой: передвижные представления Мадонны, включающие самые разные элементы шоу и основанные на устной музыкальной исполнительской традиции (сомневаюсь, что существуют ноты песен Hung Up или Like a Virgin, а если и есть, то М видела их) - чем не жонглерские представления на площадях средневековых городов (да простит меня автор книги за столь вольное сравнение)? То же самое - и с инструментарием. Разнообразие средневековых инструментов, пока еще не втиснутое во "фрак" стандартизированного симфонического состава и даже более свободного барочного оркестра, - чем не россыпь современных электронных тембров, индивидуальных для каждой новой композиции?
И третий момент: масштаб. Существует много отличных книг про отдельных творцов, про какие-то стили и направления, про историю тех или иных инструментов или музыкальных традиций, но мало кому удавалось в одном труде (кстати, не сказать, что чрезмерно "распухшем" по количеству страниц) охватить целую эпоху, несколько веков! И рассказать при этом не поверхностные основы, а копнуть сразу максимально глубоко. Честно говоря, кроме "Менестрелей" мне даже не приходит в голову другого такого примера (речь о работах по истории музыки). Может быть, тот факт, что "Менестрели" теперь доступны в электронном виде, поможет увидеть эту работу музыковедам и историкам из самых разных уголков страны - и вдохновит их на то, чтобы сделать нечто подобное. И это будет еще один пример влияния "Менестрелей" на науку - помимо определяющего значения этого труда для медиевистики (кажется, сегодня невозможна ни одна культурологическая работа по медиевистике без ссылки на "Менестрелей").
30 мая 2014, 22:44 Авторский вечер в Москве Сергей Уваров В Музее им. А. Н. Толстого состоялся концерт Мурата Кабардокова. К своим 28 годам Мурат уже добился немало - множество призов и побед на конкурсах, рецензии в прессе, наконец, звание Народного артиста Кабардино-Балкарии. В родной республике Мурата знают и ценят; Санкт-Петербург, где композитор живет и работает сегодня, тоже начинает потихоньку узнавать музыку Кабардокова (в частности, его пьеса прозвучала на очень резонансном концерте в Капелле им. Глинки в июле прошлого года (рассказ о концерте - здесь: http://www.splayn.com/cgi-bin/show.pl?option=MaterialInfo&user_id=30&id=1260). Теперь же с творчеством Мурата в формате сольного концерта познакомилась и московская публика (прежде, насколько мне известно, "сольников" у композитора в столице не было - поправьте, если ошибаюсь).
В концерте прозвучало три произведения: "Пьесы для фортепиано по картинам Р. Цримова", "Ночь. Сюита для трепетного голоса и фортепиано" (на ст. Федерико Гарсиа Лорки) и "Черкесские танцы" (переложение для скрипки и фортепиано). "Ночь" и фрагменты из цикла фортепианных пьес есть на Splayn на странице Мурата (http://www.splayn.com/cgi-bin/show.pl?user_id=1202&option=UserRecords&page=1), "Черкесские танцы" же я слышал впервые. И, должен сказать, это произведение доставило настоящее удовольствие: очень яркое, броское, свежее, эффектное, оно отлично подходит для завершения концерта. Очень любопытным оказалось и исполнение: за роялем был сам автор, а партию скрипки исполнила Фатима Лафишева, игравшая на точной копии скрипки XVII века (с жильными струнами). Поначалу казалось, что фольклоризм "Черкесских танцев" и барочный дух скрипки плохо сочетаются, но постепенно обаяние звучания сломало "интеллектуальный" заслон и обогатило произведение очень интересным подтекстом: появилось ощущение, что слушаешь подлинные старинные танцы в исполнении народных музыкантов южных горных республик (и это несмотря на вполне современную, местами европеизированную гармонию произведения). Национальные мотивы чувствовались и в двух других произведениях, причем, в цикле на стихи Лорки это интереснейшим образом сочеталось с элементами испанской музыки (или же лишь намеками на нее?). В этом произведении немало очень красивых мест - именно красивых (что для современной академической музыки, увы, редкость), но не приторной, а благородной красотой. Что же касается фортепианных пьес, то с точки зрения общей концепции это явный диалог с "Картинками с выставки" Мусоргского, но в деталях (гармония, мелодика) у автора были явно другие ориентиры. Поэтому произведение отнюдь не воспринимается как подражание - это вполне самобытное и зрелое высказывание. К слову, партию фортепиано и в пьесах, и в вокальной сюите исполнил сам автор.
18 апреля 2014, 00:58 Святки (партитура) Сергей Уваров Ярослав Судзиловский выложил фрагмент партитуры своего произведения "Святки". Ноты современных композиторов - в принципе интересны и ценны, но эта рукопись вызывает, прямо скажем, восторг. Во-первых, само произведение (кстати, его аудиозапись есть на Splayn на странице Ярослава) очень талантливое и самобытное. Гадания на суженого, проходившие в особый карнавально-праздничный период календаря, Судзиловский представляет в виде композиции для женского ансамбля a cappella с одним мужским голосом, используя весь арсенал вокальных средств - от шепота и скандирования до глиссандо. Во-вторых (и в данном случае это даже более важно), сама партитура представляет собой произведение искусства. Достаточно взглянуть на обложку, где каждая буква слова СВЯТКИ украшена фантастическими вензелями и рюшечками. И дальше на каждой странице мы увидим различные рисунки, орнаменты, необычные знаки... Такое ощущение, что это создавал художник, а не композитор. Но на самом деле все рисунки выполнены самим Судзиловским.
28 марта 2014, 19:24 op.34 - TRANS_FORMATIO Сергей Уваров Прежде всего, стоит отметить смелость композитора, взявшегося писать произведение для инструмента, который очень редко звучит без сопровождения. И с точки зрения раскрытия потенциала мандолины здесь сделано, кажется, 150% возможного. Действительно, порой невозможно поверить, что это действительно мандолина - и ничего больше. На память приходят эксперименты Пьера Булеза со скрипкой соло (Anthemes 2) и кларнетом (Dialogue pour l'ombre double), но у французского классика в обоих случаях используется электроника. Пилатов же добивается удивительных и самых разнообразных звучаний исключительно акустическими средствами.
Также отмечу, что разглядывание партитуры произведения доставляет просто-таки эстетическое удовольствие: настолько интересно и самобытно выглядит нотная запись, испещренная множеством значков (их смысл объясняется на первой странице партитуры - "словарь" занимает весь лист).
Резюмируя, могу сказать, что это серьезная, интересная и очень важная работа, поскольку она раскрывает потенциал инструмента, пока еще неизбалованного вниманием композиторов и, тем самым, вводит его в актуальный арсенал современных музыкантов.

(Рецензия была озвучена на 32-м смотре МолОта 17 марта 2014 года)